羅娜・龐迪克〈松貂〉獲艾迪生美術館典藏

羅娜・龐迪克，〈松貂〉（Pine Marten），2000–01，不鏽鋼，版數 6 件，另有 1 件藝術家版（AP），9 × 18 7/8 × 6 3/4 英吋，22.86 × 47.94 × 17.14 公分。

美國雕塑家羅娜・龐迪克（Rona Pondick）的作品〈松貂〉（Pine Marten，2000–01）近日獲位於美國麻薩諸塞州安多佛的艾迪生美術館（Addison Gallery of American Art）納入永久典藏。艾迪生美術館位於菲利普斯學院（Phillips Academy）內，創立於1931年，館藏逾29,000件作品，涵蓋自18世紀至今的美國藝術。

〈松貂〉以不鏽鋼鑄造，結合藝術家自身頭部與手部的翻模，以及動物形體，構成一種令人感到不安又難以歸類的混種形象，模糊了人與動物之間的界線。作品表面經高度拋光，映照出觀者及周遭環境，使觀者的身影也成為作品視覺經驗的一部分，進一步引導人們思考身體的轉化，以及不斷變動、難以定義的身分認同。〈松貂〉屬於龐迪克自1990年代末開始發展的人獸混種系列，延續她對身體形象變異，以及人類與動物之間既有分類界線的探索。

自創作完成以來，〈松貂〉曾於美國及歐洲多地展出，展出機構包括索納本德藝廊（Sonnabend Gallery）、薩德斯・侯巴克藝廊（Galerie Thaddaeus Ropac）、波隆那現代藝廊（Galleria d’Arte Moderna）、格羅寧格博物館（Groninger Museum）、克蘭布魯克美術館（Cranbrook Art Museum），以及伍斯特美術館（Worcester Art Museum）等。

卡洛琳・莫內參與麥科德博物館群展 「主權針跡與野性編織」

卡洛琳・莫內，〈Elisapie〉，2023，PAR-AIR 膜材、聚酯纖維，68 × 23 × 7 英吋｜172.7 × 58.4 × 17.8 公分。

我們很高興分享，卡洛琳・莫內將參與加拿大蒙特婁麥科德博物館（McCord Stewart Museum ）群展「主權針跡與野性編織」（Sovereign Stitches + Wild Weaves），展覽將於2026年11月26日開幕。展覽由 Wanda Nanibush 與 Sage Paul 共同策劃，匯集來自超過30個原住民族群、近40位原住民藝術家，其創作實踐挑戰了當代藝術、文化、時尚、設計與傳統實踐之間既有的界線。展覽以八個主題單元展開，探討身體經驗、裝飾、敘事、行動主義、保存，以及創作在延續親族關係、建構祖先未來中的核心角色。

莫內的參與延續了她對原住民身分、文化延續與未來性的長期探索。根植於阿尼希納貝族（Anishinaabe）與法國血統，她以跨領域的創作實踐，運用原住民族的創作方式重新詮釋工業建築材料，並將服裝形式與傳承而來的視覺語彙融入當代構築系統之中。透過材料與形式之間出人意料的結合，莫內思考祖傳知識如何在當代被延續、轉化與重新想像，並進一步思索這些知識如何傳遞至未來世代。

「主權針跡與野性編織」
展覽地點 | 加拿大蒙特婁 麥科德博物館
展覽日期 | 2026年11月26日 – 2027年9月6日

吉爾・道南參與堪薩斯市博物館群展「內外之間」（Outside : Inside）

吉爾・道南於工作室創作。

我們很高興分享，吉爾・道南（Jill Downen）將參與堪薩斯市博物館（The Museum of Kansas City）舉辦的群展「內外之間」（Outside: Inside）。展覽由藝術收藏家暨藝術贊助人 Dwight Smith 策劃，並與 Smith Family Foundation 合作籌辦，匯集七位以堪薩斯市為創作據點的當代藝術家，呈現多元的當代雕塑創作。

道南以場域回應式裝置、雕塑與素描為主要創作形式，持續探討人體與建築空間之間的關係。成長期間，家中曾遭雷擊，這段經歷加深了他們對身體、建築空間及時間性的感知，而這些關注也持續形塑其創作實踐。道南運用混凝土、石膏、木材、金屬、金箔與青金石等材料，創造引導觀者感知空間、體驗場所特性的作品，進一步探索身體感知與空間經驗之間的關係。

羅娜・龐迪克〈鉛床〉獲麥克內藝術博物館典藏

羅娜・龐迪克，〈鉛床〉（Lead Bed），1987–88，木材、青銅、鉛、緞面枕頭，11 × 24 1/2 × 72 1/2 英吋，27.94 × 62.23 × 184.15 公分

美國雕塑家羅娜・龐迪克（Rona Pondick，b. 1952）的作品〈鉛床〉（Lead Bed，1987–88）近日獲麥克內藝術博物館（McNay Art Museum）典藏。此作品創作於1987至1988年間，是龐迪克早期探索詭異感與心理張力的重要作品之一。 

這件作品介於雕塑與集合藝術之間，一片被壓平的鉛板置於兩塊木板之上，右上角向內摺起。作品一端放置了一只套著白色緞面枕套的枕頭，使這件原本看似平凡的結構進入一個可辨識的日常情境之中，也讓觀者得以辨認出作品標題所指涉的日常物件。金屬板表面並不平整，彷彿是在某個清晨倉促之間，被輕易地鋪放在下方木板之上。角落的摺痕像是一種邀請，讓人想要爬入其中，獲得片刻休憩。 

然而，一件橢圓形物體被放置在緞面枕套上，打斷了床所帶來的親近與邀請感；那是一塊無法辨識、扭曲變形的黃銅碎片。〈鉛床〉是龐迪克早期創作中對詭異感與心理張力之探索的重要例子；這些特質也在她後來的作品中持續發展，並透過鞋子、牙齒，甚至自身頭部翻模等身體片段進一步展開。 

羅娜・龐迪克1952年出生於紐約布魯克林，並於1977年取得耶魯大學藝術創作碩士學位。近期，她參與紐約 路由藝術展覽「貝爾默 諾曼 龐迪克：物質慾望」（Bellmer Nauman Pondick: Material Desire），該展將其雕塑作品與漢斯・貝爾默（Hans Bellmer）的古董攝影及布魯斯・諾曼（Bruce Nauman）的早期錄像作品並置對話。此外，龐迪克的作品亦為全球52間機構典藏，包括紐約惠特尼美國藝術博物館（Whitney Museum of American Art）、紐約大都會藝術博物館（Metropolitan Museum of Art），以及巴黎龐畢度中心（Centre Pompidou）等。

阿里・貝瓦吉首次加拿大博物館個展「珍珠之河」於魁北克展出

「珍珠之河」（Rivière de perles）展覽實景，圖片由藝術家提供。

印尼裔加拿大藝術家阿里・貝瓦吉（Ari Bayuaji）於加拿大魁北克省 Baie-Saint-Paul 美術館（ Musée d'art contemporain de Baie-Saint-Paul ）推出其首檔加拿大博物館個展「珍珠之河」（Rivière de perles）。本展由客座策展人Sylvie Lacerte策劃，匯集藝術家近年發展的編織作品、雕塑與沉浸式裝置，延續其長期進行的材料回收計畫——從海岸線收集廢棄漁網與塑膠材料，並透過創作重新轉化其形式與意義。 

展覽作品如懸掛於空間中的花園般展開於主展廳，喚起地衣、苔蘚與植物生長等有機形態的聯想，並透過光線與動態營造出細膩而感性的環境。透過對廢棄材料的重新利用，貝瓦吉持續探討環境議題、物質轉化的循環，以及重新思考廢棄物價值的可能性。 

「珍珠之河」延續藝術家長期對環境、生態與材料循環的關注，透過將被遺棄的物質轉化為具有生命感的藝術形式，探索人類活動、自然系統與再生可能性之間的關係。 

吳育雯參與「2026 Wagner Arts Fellows」群展

吳育雯，《誦讀 II》（Recitations II），2026，鍍金、天然茶、彩繪茶、紅線，108 × 50 × 49 英吋。攝影：Will Howcroft；圖片由藝術家提供。

吳育雯（Yu-Wen Wu）與 Tomashi Jackson、Lucy Kim 共同參與 Wagner Gallery 群展「2026 Wagner Arts Fellows: Tomashi Jackson, Lucy Kim, and Yu-Wen Wu」。三位藝術家皆獲選為2026年 Wagner Arts Fellow，展覽於美國麻薩諸塞州劍橋展出至2026年12月2日。 

本展匯集三位以大波士頓地區為創作基地的藝術家，呈現其以材料與研究為基礎的創作實踐，以及對形塑當代生活之社會、科技與政治條件的探討。吳育雯的跨領域創作由自身遷徙經驗出發，探索藝術、科學、自然世界與社會文化議題之間的交會。她透過大型繪畫、場域特定錄像裝置、社群參與計畫與公共藝術，持續探討全球遷徙、流離，以及身分與歸屬的細微關係。 

吳育雯於本展展出《Recitations II》（2026）與《Acculturation VII》（2025）。前者運用茶與紅線創作，後者則由鍍金茶葉構成，延續她對遷徙、身分與歸屬等議題的探索。 

Wagner Arts Fellowship旨在支持大波士頓地區的中生代至資深視覺藝術家，為獲選者提供75,000美元的無限制用途獎助金，並與United States Artists合作提供個別規劃的藝術家支持服務。 

「2026 Wagner Arts Fellows: Tomashi Jackson, Lucy Kim, and Yu-Wen Wu」

展覽日期｜ 2026年8月19日至12月2日
展覽地點｜ 美國麻薩諸塞州劍橋市 Wagner Gallery
參觀方式｜ 預約參觀

張恩滿參與高雄市立美術館群展「漂流宴」

「漂流宴」（Drifting Feast），展場實景。攝影：謝明澄；圖片由阿斯匹靈計畫工作室提供。

張恩滿（En-Man Chang）參與高雄市立美術館群展「漂流宴」（Drifting Feast）。展覽由吳尚霖策展、Eva Kovač擔任協同策展人，匯集26位臺灣及國際藝術家，於2026年5月30日至10月18日在高雄市立美術館展出。 

「漂流宴」總結一項於2024至2025年間，透過日惹、巴黎與維也納多個藝術機構合作發展的跨國策展計畫。展名結合「漂流」與「宴席」兩種意象，從移動、交流與共同聚集出發，探討傳統、食材、語言、信仰與故事如何在不同地域之間交會。展覽亦關注移民、離散社群、勞動者及其他處於社會邊緣位置的群體，思考他們對文化與社會結構的貢獻，如何經常與流離、排除或不穩定的處境同時存在。 

張恩滿於展中呈現〈蝸牛樂園三部曲—啟航或終章〉，延續其對物種遷徙、殖民移動、原住民族經驗與文化記憶之間複雜關係的研究。在展覽對移動與歸屬的整體探問之中，作品進一步追索人類與非人類物種的遷移，如何攜帶跨越地域與世代的歷史痕跡。 

瑪爾塔・卡塔維奇參與克羅埃西亞第38屆青年沙龍

瑪爾塔・卡塔維奇，〈黯淡的太陽〉，2024，油彩、不鏽鋼，2 × 59 × 59 英吋，5.1 × 150 × 150 公分

瑪爾塔・卡塔維奇（Marta Katavić）參與克羅埃西亞第38屆青年沙龍（38th Youth Salon）中的展覽單元「情境：青年沙龍第二部」（Situacija: Salon mladih pt. 2）。該單元由Antun Sekulić策展，匯集29位新銳藝術家，於2026年9月8日至24日在薩格勒布藝術學院（Academy of Fine Arts in Zagreb）、Galerija Kamba、Studio-galerija Klet與自治文化中心Attack（Autonomous Cultural Center Attack）等場地舉行。 

青年沙龍是克羅埃西亞規模最大且歷史最悠久、專為35歲以下視覺藝術家設立的國家級展覽平台。本屆「情境」單元重新思考傳統展覽的形式，將臨時搭建的空間轉化為藝術創作、表演與交流的場域。作品離開慣常的白盒子展示空間後，展覽進一步探問場地與觀看方式的變化，如何重新形塑作品、藝術家、觀眾及城市之間的關係。 

闕巧涵於18th Street Arts Center展開全新駐村計畫

闕巧涵於18th Street arts center，圖片由藝術家提供。

旅德台灣藝術家闕巧涵（Chiao-Han Chueh）近日展開於美國洛杉磯18th Street Arts Center的駐村計畫，並持續發展其以繪畫作為行動與感知系統的創作方法。  

闕巧涵的創作回應其成長於台灣、並作為亞洲女性生活於西方社會的經驗。她透過描繪置身於奇幻空間中、展現不受拘束行為的裸身女性形象，挑戰女性身體所承受的規範性性別限制。她的油畫實踐同時受到西方學院訓練與中國書法、水墨繪畫的影響，呈現出個人經驗與多重藝術傳統美學之間的交會。 

本次駐村中，闕巧涵延續對醫療影像系統的研究，包括 X 光、解剖圖像與光譜式視覺化技術，並進一步思考色彩作為視覺語言的可能。醫療影像在此並非作為直接再現的對象，而是透過其模糊形態、高彩度與近乎身體性的視覺強度，轉化為一套由壓力、速度、材料限制與身體感知共同形塑的繪畫語法。  

回應洛杉磯影像飽和的視覺環境，本次駐村計畫探討具身經驗、個人記憶與被媒介化的身體影像，如何作為感知結構而非敘事主題進入作品之中。 

張恩滿參展第25屆雪梨雙年展 (25th Biennale of Sydney)

「重新記憶」展覽現場，圖片由藝術家提供。

台灣藝術家張恩滿（En-Man Chang）受邀參與第25屆雪梨雙年展 (25th Biennale of Sydney)，展覽於2026年3月14日至6月14日舉行，呈現其對殖民歷史、記憶、遷徙與原住民文化再生的持續探問。 

第25屆雪梨雙年展由策展人霍爾・阿爾－卡西米（Hoor Al-Qasimi）策劃，主題「重新記憶」（Rememory）指向對被抹除、壓抑或遺忘之歷史的重新回訪、重構與取回。透過此一策展框架，本屆雙年展將記憶視為一種持續生成的文化行動，並關注藝術如何重新開啟被殖民歷史、地方敘事與生活經驗所承載的複雜關係。 

出生於台東、現居並工作於台北的張恩滿，創作媒介涵蓋動態影像、攝影、裝置與合作式創作形式。作為具有半原住民血統背景的藝術家，張恩滿的創作根植於自身生命經驗與文化傳承，長期關注台灣原住民族如何在現代化與都市化的背景下，協商不斷變動的社會文化地景與生存條件。她透過挖掘失落的歷史與敘事，重新思考個人經驗、族群記憶與更廣泛世界之間的連結，並展現藝術所具有的轉化潛能。 

在本次雪梨雙年展中，張恩滿展出的作品延續其《蝸牛樂園》系列的創作脈絡，透過影像與裝置探討澳洲與台灣之間共享的殖民經驗，以及原住民文化在歷史斷裂後持續再生的可能。作品將個體記憶、跨地域遷徙與生態敘事交織，回應本屆雙年展「重新記憶」所提出的歷史重訪與文化再生議題。 

此次台灣藝術家的參展由雪梨雙年展委託製作，並獲駐雪梨台北經濟文化辦事處（Taipei Economic and Cultural Office, Sydney）支持。在台灣文化部支持下，駐雪梨台北經濟文化辦事處與雪梨雙年展合作，推動四位台灣藝術家參與本屆雙年展，呈現台灣當代藝術在國際語境中的文化敘事與歷史思考。透過此次展出，張恩滿的創作也進一步將台灣原住民文化、殖民記憶與當代藝術實踐之間的關係帶入更廣泛的國際對話之中。 

第25屆雪梨雙年展「重新記憶」展覽資訊 
展覽地點： 澳洲雪梨多個展覽場域 
展覽日期：2026年3月14日至6月14日 
委託製作：雪梨雙年展（Biennale of Sydney） 

張恩滿參與「破土：臺灣當代原住民藝術與行動主義」台北巡迴展

「破土：臺灣當代原住民藝術與行動主義」展覽實景，圖片由藝術家提供。

路由藝術誠摯分享藝術家張恩滿（En-Man Chang）最新重要展覽動態。張恩滿參與群展「破土：臺灣當代原住民藝術與行動主義」（Breaking Ground: Art and Activism in Indigenous Taiwan），展覽於2026年4月23日至8月21日在文化部藝廊展出。此展覽曾於美國新墨西哥州IAIA當代原住民藝術博物館（IAIA Museum of Contemporary Native Arts, MoCNA）展出，並於今年回到台灣推出台北巡迴展。 

「破土：臺灣當代原住民藝術與行動主義」由國立臺灣美術館與IAIA當代原住民藝術博物館共同策畫，聚焦當代原住民藝術中的行動主義實踐，探討殖民性、原民性、身份、信仰、土地、生存與社會正義等議題。展覽集結十位／組臺灣原住民藝術家，透過多元創作實踐，呈現原住民藝術如何回應殖民歷史、全球原住民議題與當代社會現實。 

作為本次展覽的核心參展藝術家之一，張恩滿的創作長期關注臺灣原住民族在現代化、都市化與殖民歷史交織下的生存條件與文化記憶。她以動態影像、攝影、裝置與合作式創作為主要媒介，從自身生命經驗與族群背景出發，挖掘被忽視或失落的歷史敘事，並將個人經驗、地方記憶、物種遷徙與全球原住民議題相互連結。 

本次展出的〈蝸牛樂園協奏曲—Santa Fe篇〉（Snail Paradise Concerto - Chapter of Santa Fe，2025）延續張恩滿長期發展的《蝸牛樂園》系列。文化部藝廊展出版本以構樹皮、文獻轉印與刺繡構成，尺寸為 400 × 100 × 50 cm，並由國立臺灣美術館委託製作。作品以源自東非、並被列為世界百大入侵種之一的非洲大蝸牛作為探索世界的介面，將物種傳播、人類遷徙與殖民歷史交織為一張複雜的網絡。 

在張恩滿的創作中，台灣原生種構樹與蝸牛黏液之間的消解關係，分別指向植物、動物與人類移動所留下的航線與痕跡。藝術家在這些交錯的路徑中，以近似吟遊與協奏的方式，尋找承載殖民創傷與歷史遺緒的聲音，展開一段關於遷徙、記憶、土地與再連結的敘事。透過〈蝸牛樂園協奏曲—Santa Fe篇〉，張恩滿進一步將自然物種的移動與原住民族的歷史經驗並置，呈現原住民藝術如何成為回應殖民現實、重構文化記憶與提出社會行動的媒介。 

「破土：臺灣當代原住民藝術與行動主義」展覽資訊 
展覽地點：文化部藝廊（Ministry of Culture Gallery） 
展覽地址：新莊聯合辦公大樓南棟一樓，242030 新北市新莊區中平路439號 
展覽日期：2026年4月23日至8月21日 

卡洛琳・莫內於2026年荷蘭阿納姆「State of Fashion」雙年展呈現〈記憶之線〉

卡洛琳・莫內，〈記憶之線〉，2026，地板與屋頂底材、防水隔熱膜、牆基墊片、聚乙烯、防水布、線、扣眼，95⅞ x 168 英寸｜243.8 x 426.7 公分，圖片由藝術家提供。

路由藝術很榮幸分享加拿大籍藝術家卡洛琳・莫內（Caroline Monnet）受荷蘭世界文化博物館（National Museum of World Cultures / Wereldmuseum）之邀，於荷蘭奈梅亨（Nijmegen）展開藝術家駐村計畫。此計畫由WereldLab Nijmegen、Besiendershuis與「State of Fashion」雙年展共同合作推動，並將莫內的阿尼希那比與法裔背景，以及原住民方法論，帶入與時尚、材料文化、在地社群，以及受殖民歷史形塑的當代系統之間的對話。 

作為本次駐村成果，莫內呈現全新委託作品〈記憶之線〉（Threads That Remember，2026），目前於荷蘭阿納姆博物館（Museum Arnhem）展出，作為2026年「State of Fashion」雙年展「Available to Promise」的一部分，展期自2026年5月14日至6月28日。作品使用地板與屋頂底襯、防水與隔熱膜、聚乙烯、防水帆布、線與金屬扣眼等工業材料，構成一件以傳統服裝版型為形制、平面展掛於牆面的大型作品。 

作品的展示方式令人聯想到博物館的陳列語彙，然而其形體本身則指向一件原本應被穿著、並透過身體動作被賦予生命的服裝。在阿尼希那比脈絡中，服裝與身份、文化延續，以及人與土地、社群之間的關係密切相連。莫內並非複製傳統，而是透過當代材料對其重新詮釋，藉此凸顯今日的原住民經驗，並肯定文化韌性在土地、記憶與社群之間的延續。 

〈記憶之線〉由荷蘭奈梅亨世界文化博物館委託，並與荷蘭阿納姆「State of Fashion」 雙年展合作呈現。

米亞．維斯特倫德．羅森《Ray IV》獲美國伯洛伊特學院萊特藝術博物館典藏

米亞．維斯特倫德．羅森，〈Ray IV〉，1985，青銅與混凝土，40 x 40 x 34 英寸｜101.6 x 101.6 x 86.4 公分，圖片來源：藝術家工作室

路由藝術很榮幸宣布，美國藝術家米亞・維斯特倫德・羅森（Mia Westerlund Roosen）的作品《Ray IV》已正式獲美國伯洛伊特學院懷特藝術博物館（Wright Museum of Art, Beloit College）納入永久典藏，並將安置於博物館正門前，作為全新的公共藝術地標。 

維斯特倫德・羅森1942年出生於紐約，自1970年代以來持續活躍於美國當代雕塑領域，並以雕塑、繪畫與公共藝術創作探問材質、尺度與身體感知之間的關係。她的作品雖發展於極簡主義與後極簡主義的語境之中，卻不完全遵循其冷峻、去個人化的形式規則，而是透過混凝土、金屬等材料的重量、肌理與結構，重新引入身體性、觸感與物質經驗。此次《Ray IV》納入館藏，不僅象徵藝術家創作歷程中的重要里程碑，也為該博物館的當代雕塑典藏脈絡增添關鍵篇章。 

卡洛琳・莫內〈王國〉獲達拉斯美術館納入典藏

卡洛琳・莫內，〈王國〉，2026，屋頂防水底材、聚酯線，28 ¼ × 57 ½ 英吋｜71.8 × 146.1 公分

路由藝術欣然宣布卡洛琳・莫內（Caroline Monnet）的作品〈王國〉（Kingdom，2026）已由達拉斯美術館（Dallas Museum of Art）收藏。自2016年起，達拉斯美術館每年透過達拉斯藝術博覽會的基金會購藏基金（Dallas Art Fair Foundation Art Acquisition Fund）選購作品納入館藏。今年，〈王國〉於達拉斯藝術博覽會開幕當日，由當代藝術Lupe Murchison 策展人Vivian Li博士正式宣布入藏，並與Hasani Sahlehe、Gloria Klein、Raymond Saunders及Nicole Eisenman的作品一同入選。

〈王國〉為一件抽象三聯作，以聚酯線縫製於屋頂防水底材之上，透過運用建築材料，藝術家指涉住房危機對加拿大原住民族群所造成的不成比例影響，這也是她創作中經常探討的社會議題。莫內現居並工作於蒙特婁（Mooniyang／Montreal），原籍加拿大烏塔瓦地區（Outaouais）。她擁有阿尼希那比（Anishinaabe）與法裔血統，透過作品建構複雜的文化敘事，傳達原住民身分認同，並回應殖民歷史的延續與影響。

安娜．特蕾莎．巴博扎參與臺灣當代文化實驗場 C-LAB 2026年度大展「我們正成為 WE Are Becoming」

「我們正成為」展覽實景，圖片由C-LAB提供，攝影：嘟嚕影像工作室。

路由藝術欣然宣布，秘魯藝術家安娜．特蕾莎．巴博扎 (Ana Teresa Barboza) 的多件作品將參與臺灣當代文化實驗場 C-LAB 2026年度大展「我們正成為 WE Are Becoming」，展覽於2026年5月8日開幕。
「我們正成為 WE Are Becoming」以「Becoming」作為展覽核心，不再將文化理解為固定不變的身份，而是視其為一種持續在實踐、行動與想像之中生成的狀態。展覽透過來自不同文化背景與媒材語言的創作，重新提問：在多語、多族群與多重技術共存的當代社會中，我們如何理解自身，又如何重新建構屬於「我們」的文化想像。
本次展出包含巴博扎長年發展的計畫《熱帶居所：共棲地》(Tropical Station: A Common Habitat)，以及多件運用植物染料與編織技術完成的纖維與陶藝作品。作為一項持續進行中的跨領域研究計畫，《熱帶居所：共棲地》結合秘魯北海岸的在地建築智慧、傳統工藝與當代數位技術，重新思考在後都市化條件下，人類如何與生態系統建立新的共居關係。
延續此一長期生態研究脈絡，巴博扎深入皮烏拉（Piura）乾旱森林地區，採集植物染料並與在地工匠協作，將氣候循環、雨水記憶與地方知識轉化為纖維與陶質材料中的視覺語言。透過編織、自然染與材料實踐，她的作品呈現地景、記憶與身體經驗之間持續交織的關係，也回應此次展覽對於文化如何在行動與實踐之中被重新書寫的提問。
巴博扎的創作提出一種以實踐為基礎的閱讀方式，使作品成為理解當代經驗的重要入口。我們誠摯邀請觀眾透過巴博扎的創作視角，一同進入這場關於生態、材料與共同體想像的生成過程 。

「我們正成為 WE Are Becoming」
展期：2026年5月8日 – 8月16日
地點：臺灣當代文化實驗場 C-LAB
時間：週二至週日 12:00 – 19:00，週一休館

盧冠宏參與台北市立美術館「物質世界」展覽

「物質世界」展覽實景，圖片由台北市立美術館提供。

藝術家盧冠宏（Lu Kuan-Hung）近期受邀參與台灣當代藝術最具指標性的殿堂——台北市立美術館（TFAM）「物質世界」（Material Extensions）展覽。 

盧冠宏的創作向來擅長在模糊的敘事結構中植入戲謔手法，透過場景與人物的荒誕錯置，建構出一種冷靜卻極具張力的幽默感。他總能精準捕捉日常秩序中的裂縫，將觀者習以為常的視覺經驗，轉化為充滿不確定性的心理場域。 

在本次展覽中，冠宏的作品進一步探討「物質」如何反向介入並重塑人類的生活型態。在消費主義與符號化的當代社會，他以獨特的視覺語言解構人與物件、生產與消耗之間的共生關係，將物質的流動轉化為一場對生存現狀的黑色幽默式詰問。這次參展不僅標誌著其創作歷程的重要進展，也讓他的藝術實踐在美術館的學術視野中，展現出獨特的當代意涵。 

「物質世界」展覽資訊 
展覽地點：台北市立美術館 2樓 2A、2B 展覽室  
展覽日期：2026年5月1日至8月16日 

張恩滿〈蝸牛樂園〉獲達拉斯美術館典藏

「蝸牛地圖」展覽實景，路由藝術紐約。Marin Seck攝影

 路由藝術誠摯恭喜台灣藝術家張恩滿（En-Man Chang）的作品〈蝸牛樂園〉（Snail Paradise）獲美國達拉斯美術館（Dallas Museum of Art）正式納入典藏，展現其創作在國際藝術機構中的能見度與重要性。 

張恩滿的創作經常從歷史、物種遷徙與文化記憶的交織關係出發，透過刺繡、影像與裝置等多元媒材，探討殖民、全球流動與在地知識之間的複雜連結，其作品往往以細膩的研究為基礎，將看似微小的物種或材料轉化為觀看歷史與權力結構的切入點。 

〈蝸牛樂園〉取材自非洲大蝸牛的傳播史，此一原生於東非的物種，隨著殖民與貿易網絡的擴張而被帶往世界各地，最終成為全球百大入侵物種之一，1933年日治時期，殖民官員自新加坡引進非洲大蝸牛至台灣作為食用養殖，其擴散路徑亦映照出帝國擴張的歷史軌跡，張恩滿以與蝸牛料理相關的植物為圖像元素，轉化為十字繡的形式，彷彿為未來留下某種關於「傳統」的文化樣本，十字繡為台灣部分原住民族群使用的刺繡技法，其幾何對稱圖紋常象徵階級、身分、祖靈信仰與自然觀。 

〈蝸牛樂園〉此次獲達拉斯美術館典藏，不僅肯定張恩滿對歷史敘事與文化研究的深刻轉譯，也進一步彰顯其作品在當代藝術脈絡中的獨特位置。 

瑪爾塔・卡塔維奇參與瓦拉日丁美術館「第八屆繪畫雙年展」

「第八屆繪畫雙年展」展覽實景。圖片由藝術家提供。

路由藝術榮幸地祝賀瑪爾塔・卡塔維奇（Marta Katavić）展於瓦拉日丁美術館的「第八屆繪畫雙年展」，展期至2026年2月16日。  

展出於瓦拉日丁美術館的「第八屆繪畫雙年展」 是克羅埃西亞極具國家意義的文化盛事，旨在展現本土當代藝術之潛力及成就，致力於構築國家具代表性的文化資產。本屆繪畫雙年展匯集了約70位克羅埃西亞藝術家的作品，作品風格從傳統繪畫橫跨至當代具實驗性的創作，為觀者呈現了一場跨越世代、奠基於克羅埃西亞文化的凝視與對話。 

瑪爾塔・卡塔維奇（2000年生）出生於克羅埃西亞克里熱夫齊，其使用油彩、不銹鋼與金屬紙 作為媒材，結合富有表現力的筆觸和豐富的色彩，刻意模糊人物臉部和輪廓，營造出既具象又神秘莫測的視覺效果，為一位新銳當代藝術家，其創作已開始受到國際關注。 

徐丰〈第1674號行政函〉獲菲利普美術館典藏

〈第1674號行政函〉，2007，刺繡古董絲質床罩、哥斯大黎加國家檔案館文件，162.6 x 114.3 cm

路由藝術誠摯恭喜藝術家徐丰（Mimian Hsu）的作品〈No. 1674 Sección Administrativa〉（2007）正式獲美國重要藝術機構菲利普斯收藏館（The Phillips Collection）納入典藏，為其長期關注移民歷史與身份議題的創作實踐再添重要里程碑。 

徐丰是一位具有台灣血統的哥斯大黎加藝術家，其創作深受個人生命經驗啟發，並透過帶有詩意的非具象視覺語彙，持續探討文化交融、遷徙經驗以及身份認同等議題。 

本次獲典藏的作品〈No. 1674 Sección Administrativa〉源自藝術家對哥斯大黎加華人移民歷史的研究。作品內容取自一封1907年的歷史文件，信中兩位華人移民在當地實施移民限制政策後，向政府申請允許其妻兒入境團聚。藝術家將信件全文以金色絲線刺繡於一塊中國傳統絲綢布料上，此類布料常被用來製作新婚床單，作品選用象徵喜慶與婚嫁的紅色布面，以及象徵尊貴與價值的金色刺繡，使媒材本身的文化意涵與文本內容相互呼應，也讓作品進一步承載關於家庭團聚、基本權利與尊嚴的深刻討論。

以實邁爾・蘭道・威克斯參與哈佛大學卡本特視覺藝術中心群展「訊號與地層」

「訊號與地層」展覽實景。圖片由卡本特視覺藝術中心提供，Julia Featheringill攝影

路由藝術很榮幸宣布並祝賀藝術家以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯（Ishmael Randall-Weeks）參與群展「訊號與地層」（Signal and Strata），展覽於2月5日在哈佛大學卡本特視覺藝術中心盛大開幕。 

「訊號與地層」匯聚三位秘魯藝術家——艾蓮娜·達米阿尼（Elena Damiani）、辛蜜拉·加里多-雷卡（Ximena Garrido-Lecca) ）與以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯的創作實踐。三位藝術家透過材質豐富、帶有建築語彙且時常指涉前殖民形式的作品，探討土地、歷史與資源開採之間錯綜複雜的交織關係。透過將三位藝術家的作品置於對話之中，展覽進一步探討環境變遷與文化位移等議題，並邀請觀者思考：權力與信仰體系如何在物質之中被建構、侵蝕與重新想像。  

本次展覽中，以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯的代表作品包括〈混凝土〉（Círculo concreto）與〈永恆代碼#83〉（Código Atemporal #83）。這些作品由銅、水泥、磚塊、橡膠與土壤等拾得與再生材料構成，並透過高度勞動密集的創作過程重新組構為混合性的建築形式。藝術家藉此體現生產與衰敗的循環，同時對進步、都市化、全球供應鏈與物質文化等敘事提出批判性的反思。