NUNU FINE ART 非常欣喜地——向各位分享許多關於路由藝術家的好消息。我們的藝術家除了持續創作，也因其精彩的藝術作品和創作概念冉冉生輝，而不斷受到多位策展人及藝術機構所青睞，將作品繼續推送至世界各地展演。
路由藝術很榮幸宣布，美國藝術家米亞・維斯特倫德・羅森（Mia Westerlund Roosen）的作品《Ray IV》已正式獲美國伯洛伊特學院懷特藝術博物館（Wright Museum of Art, Beloit College）納入永久典藏，並將安置於博物館正門前，作為全新的公共藝術地標。
維斯特倫德・羅森1942年出生於紐約，自1970年代以來持續活躍於美國當代雕塑領域，並以雕塑、繪畫與公共藝術創作探問材質、尺度與身體感知之間的關係。她的作品雖發展於極簡主義與後極簡主義的語境之中，卻不完全遵循其冷峻、去個人化的形式規則，而是透過混凝土、金屬等材料的重量、肌理與結構，重新引入身體性、觸感與物質經驗。此次《Ray IV》納入館藏，不僅象徵藝術家創作歷程中的重要里程碑，也為該博物館的當代雕塑典藏脈絡增添關鍵篇章。
卡洛琳・莫內，〈王國〉，2026，屋頂防水底材、聚酯線，28 ¼ × 57 ½ 英吋｜71.8 × 146.1 公分
路由藝術欣然宣布卡洛琳・莫內（Caroline Monnet）的作品〈王國〉（Kingdom，2026）已由達拉斯美術館（Dallas Museum of Art）收藏。自2016年起，達拉斯美術館每年透過達拉斯藝術博覽會的基金會購藏基金（Dallas Art Fair Foundation Art Acquisition Fund）選購作品納入館藏。今年，〈王國〉於達拉斯藝術博覽會開幕當日，由當代藝術Lupe Murchison 策展人Vivian Li博士正式宣布入藏，並與Hasani Sahlehe、Gloria Klein、Raymond Saunders及Nicole Eisenman的作品一同入選。
〈王國〉為一件抽象三聯作，以聚酯線縫製於屋頂防水底材之上，透過運用建築材料，藝術家指涉住房危機對加拿大原住民族群所造成的不成比例影響，這也是她創作中經常探討的社會議題。莫內現居並工作於蒙特婁（Mooniyang／Montreal），原籍加拿大烏塔瓦地區（Outaouais）。她擁有阿尼希那比（Anishinaabe）與法裔血統，透過作品建構複雜的文化敘事，傳達原住民身分認同，並回應殖民歷史的延續與影響。
「我們正成為」展覽實景，圖片由C-LAB提供，攝影：嘟嚕影像工作室。
路由藝術欣然宣布，秘魯藝術家安娜．特蕾莎．巴博扎 (Ana Teresa Barboza) 的多件作品將參與臺灣當代文化實驗場 C-LAB 2026年度大展「我們正成為 WE Are Becoming」，展覽於2026年5月8日開幕。
「我們正成為 WE Are Becoming」以「Becoming」作為展覽核心，不再將文化理解為固定不變的身份，而是視其為一種持續在實踐、行動與想像之中生成的狀態。展覽透過來自不同文化背景與媒材語言的創作，重新提問：在多語、多族群與多重技術共存的當代社會中，我們如何理解自身，又如何重新建構屬於「我們」的文化想像。
本次展出包含巴博扎長年發展的計畫《熱帶居所：共棲地》(Tropical Station: A Common Habitat)，以及多件運用植物染料與編織技術完成的纖維與陶藝作品。作為一項持續進行中的跨領域研究計畫，《熱帶居所：共棲地》結合秘魯北海岸的在地建築智慧、傳統工藝與當代數位技術，重新思考在後都市化條件下，人類如何與生態系統建立新的共居關係。
延續此一長期生態研究脈絡，巴博扎深入皮烏拉（Piura）乾旱森林地區，採集植物染料並與在地工匠協作，將氣候循環、雨水記憶與地方知識轉化為纖維與陶質材料中的視覺語言。透過編織、自然染與材料實踐，她的作品呈現地景、記憶與身體經驗之間持續交織的關係，也回應此次展覽對於文化如何在行動與實踐之中被重新書寫的提問。
巴博扎的創作提出一種以實踐為基礎的閱讀方式，使作品成為理解當代經驗的重要入口。我們誠摯邀請觀眾透過巴博扎的創作視角，一同進入這場關於生態、材料與共同體想像的生成過程 。
「我們正成為 WE Are Becoming」
展期：2026年5月8日 – 8月16日
地點：臺灣當代文化實驗場 C-LAB
時間：週二至週日 12:00 – 19:00，週一休館
「物質世界」展覽實景，圖片由台北市立美術館提供。
藝術家盧冠宏（Lu Kuan-Hung）近期受邀參與台灣當代藝術最具指標性的殿堂——台北市立美術館（TFAM）「物質世界」（Material Extensions）展覽。
盧冠宏的創作向來擅長在模糊的敘事結構中植入戲謔手法，透過場景與人物的荒誕錯置，建構出一種冷靜卻極具張力的幽默感。他總能精準捕捉日常秩序中的裂縫，將觀者習以為常的視覺經驗，轉化為充滿不確定性的心理場域。
在本次展覽中，冠宏的作品進一步探討「物質」如何反向介入並重塑人類的生活型態。在消費主義與符號化的當代社會，他以獨特的視覺語言解構人與物件、生產與消耗之間的共生關係，將物質的流動轉化為一場對生存現狀的黑色幽默式詰問。這次參展不僅標誌著其創作歷程的重要進展，也讓他的藝術實踐在美術館的學術視野中，展現出獨特的當代意涵。
「物質世界」展覽資訊
展覽地點：台北市立美術館 2樓 2A、2B 展覽室
展覽日期：2026年5月1日至8月16日
「蝸牛地圖」展覽實景，路由藝術紐約。Marin Seck攝影
路由藝術誠摯恭喜台灣藝術家張恩滿（En-Man Chang）的作品〈蝸牛樂園〉（Snail Paradise）獲美國達拉斯美術館（Dallas Museum of Art）正式納入典藏，展現其創作在國際藝術機構中的能見度與重要性。
張恩滿的創作經常從歷史、物種遷徙與文化記憶的交織關係出發，透過刺繡、影像與裝置等多元媒材，探討殖民、全球流動與在地知識之間的複雜連結，其作品往往以細膩的研究為基礎，將看似微小的物種或材料轉化為觀看歷史與權力結構的切入點。
〈蝸牛樂園〉取材自非洲大蝸牛的傳播史，此一原生於東非的物種，隨著殖民與貿易網絡的擴張而被帶往世界各地，最終成為全球百大入侵物種之一，1933年日治時期，殖民官員自新加坡引進非洲大蝸牛至台灣作為食用養殖，其擴散路徑亦映照出帝國擴張的歷史軌跡，張恩滿以與蝸牛料理相關的植物為圖像元素，轉化為十字繡的形式，彷彿為未來留下某種關於「傳統」的文化樣本，十字繡為台灣部分原住民族群使用的刺繡技法，其幾何對稱圖紋常象徵階級、身分、祖靈信仰與自然觀。
〈蝸牛樂園〉此次獲達拉斯美術館典藏，不僅肯定張恩滿對歷史敘事與文化研究的深刻轉譯，也進一步彰顯其作品在當代藝術脈絡中的獨特位置。
「第八屆繪畫雙年展」展覽實景。圖片由藝術家提供。
路由藝術榮幸地祝賀瑪爾塔・卡塔維奇（Marta Katavić）展於瓦拉日丁美術館的「第八屆繪畫雙年展」，展期至2026年2月16日。
展出於瓦拉日丁美術館的「第八屆繪畫雙年展」 是克羅埃西亞極具國家意義的文化盛事，旨在展現本土當代藝術之潛力及成就，致力於構築國家具代表性的文化資產。本屆繪畫雙年展匯集了約70位克羅埃西亞藝術家的作品，作品風格從傳統繪畫橫跨至當代具實驗性的創作，為觀者呈現了一場跨越世代、奠基於克羅埃西亞文化的凝視與對話。
瑪爾塔・卡塔維奇（2000年生）出生於克羅埃西亞克里熱夫齊，其使用油彩、不銹鋼與金屬紙 作為媒材，結合富有表現力的筆觸和豐富的色彩，刻意模糊人物臉部和輪廓，營造出既具象又神秘莫測的視覺效果，為一位新銳當代藝術家，其創作已開始受到國際關注。
〈第1674號行政函〉，2007，刺繡古董絲質床罩、哥斯大黎加國家檔案館文件，162.6 x 114.3 cm
路由藝術誠摯恭喜藝術家徐丰（Mimian Hsu）的作品〈No. 1674 Sección Administrativa〉（2007）正式獲美國重要藝術機構菲利普斯收藏館（The Phillips Collection）納入典藏，為其長期關注移民歷史與身份議題的創作實踐再添重要里程碑。
徐丰是一位具有台灣血統的哥斯大黎加藝術家，其創作深受個人生命經驗啟發，並透過帶有詩意的非具象視覺語彙，持續探討文化交融、遷徙經驗以及身份認同等議題。
本次獲典藏的作品〈No. 1674 Sección Administrativa〉源自藝術家對哥斯大黎加華人移民歷史的研究。作品內容取自一封1907年的歷史文件，信中兩位華人移民在當地實施移民限制政策後，向政府申請允許其妻兒入境團聚。藝術家將信件全文以金色絲線刺繡於一塊中國傳統絲綢布料上，此類布料常被用來製作新婚床單，作品選用象徵喜慶與婚嫁的紅色布面，以及象徵尊貴與價值的金色刺繡，使媒材本身的文化意涵與文本內容相互呼應，也讓作品進一步承載關於家庭團聚、基本權利與尊嚴的深刻討論。
「訊號與地層」展覽實景。圖片由卡本特視覺藝術中心提供，Julia Featheringill攝影
路由藝術很榮幸宣布並祝賀藝術家以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯（Ishmael Randall-Weeks）參與群展「訊號與地層」（Signal and Strata），展覽於2月5日在哈佛大學卡本特視覺藝術中心盛大開幕。
「訊號與地層」匯聚三位秘魯藝術家——艾蓮娜·達米阿尼（Elena Damiani）、辛蜜拉·加里多-雷卡（Ximena Garrido-Lecca) ）與以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯的創作實踐。三位藝術家透過材質豐富、帶有建築語彙且時常指涉前殖民形式的作品，探討土地、歷史與資源開採之間錯綜複雜的交織關係。透過將三位藝術家的作品置於對話之中，展覽進一步探討環境變遷與文化位移等議題，並邀請觀者思考：權力與信仰體系如何在物質之中被建構、侵蝕與重新想像。
本次展覽中，以實邁爾 · 蘭道 · 威克斯的代表作品包括〈混凝土〉（Círculo concreto）與〈永恆代碼#83〉（Código Atemporal #83）。這些作品由銅、水泥、磚塊、橡膠與土壤等拾得與再生材料構成，並透過高度勞動密集的創作過程重新組構為混合性的建築形式。藝術家藉此體現生產與衰敗的循環，同時對進步、都市化、全球供應鏈與物質文化等敘事提出批判性的反思。
〈鈀〉，2022，環氧樹脂於畫布，59 x 43.3 in | 150 x 110 cm
路由藝術欣然宣布，德國藝術家彼得・辛默曼（Peter Zimmermann）作品〈鈀〉（Palladium）正式捐贈予菲律賓馬尼拉大都會美術館（The M Museum），並納入館方永久典藏。
辛默曼於 1956 年生於德國佛萊堡（Freiburg im Breisgau），現居科隆，自 1980 年代起展開其藝術創作生涯。他以地圖集、藝術書籍、旅遊書與字典的封面與標題為素材，發展出其標誌性的「封面畫作」（Book Cover Paintings），並運用油彩與環氧樹脂將圖像轉化為具高度視覺張力的抽象繪畫。透過層層堆疊的色彩與流動性的材質效果，辛默曼創作出尺度宏大、光澤深邃且層次豐富的作品，其無縫融合的漸層色彩呈現在鋁複合板表面，營造出近似液態般的視覺感受。
作品〈鈀〉曾於 2023 年在路由藝術台北展出，獲得廣泛關注。此次路由藝術與馬尼拉大都會美術館共同策劃雙城展覽「繪畫規則」（Painting Rules），觀眾得以近距離欣賞此件作品，並重新思考當代繪畫在圖像、生產與觀看方式快速轉變的時代語境中，所展現的形式語言與感知經驗。〈鈀〉納入館藏，不僅象徵藝術家創作歷程中的重要里程碑，也為亞洲當代藝術收藏脈絡增添關鍵篇章。
Photo Credit: Gabriela SAes y Thais Monteiro
路由藝術誠摯地祝賀祕魯藝術家安娜．特蕾莎．巴博扎（Ana Teresa Barboza， 1981年生於利馬）參與Sesc Tijuca 與Instituto Artistas Latinas於里約熱內盧舉辦的展覽「編織故事 — 拉丁美洲紡織藝術」（Tecendo Histórias – arte têxtil latinoamericana），展覽於2026年3月14日開幕，展至2026年6月14日。
本次展覽「編織故事：拉丁美洲紡織藝術」匯集來自巴西、阿根廷、瓜地馬拉與秘魯的藝術家，透過多元的紡織實踐，突顯拉丁美洲紡織藝術所蘊含的文化力量，以及女性藝術家運用祖傳技藝回應當代議題的主體性，展覽以紡織材料作為敘事的起點，將其視為承載記憶、生命經驗與象徵意涵的創作媒介；在一針一線之間，經緯交錯出層層意義，使日常生活與儀式傳統相互交織，透過這些作品，祖傳知識與紡織結構在當代藝術的語境中被重新詮釋，不僅成為歷史經驗的見證，也展現出持續生成的創造能量與文化韌性。
安娜．特蕾莎．巴博扎的創作研究透過紡織媒材探索自然景觀的轉變，她運用來自不同來源的纖維，將編織不僅視為一種技術，更是一種能夠連結土地、生態系與手工藝實踐的語言，在此次展出的作品中，安娜．特蕾莎．巴博扎結合刺繡、編織與攝影，呈現生命體與自然環境之間的相互依存關係，並強調支撐生態系的網絡，以及大自然中持續生成與轉化的生命動能。
「編織故事——拉丁美洲紡織藝術」
｜展期：2026年3月14日—2026年6月14日
｜地點：Sesc Tijuca 藝術中心（位於巴西里約熱內盧）
｜開放時間：周一至周五10:00 至 20:00
圖片由馬尼拉大都會美術館提供。
路由藝術很榮幸與菲律賓馬尼拉大都會美術館（Metropolitan Museum of Manila｜The M）共同籌劃德國藝術家彼得・辛默曼（Peter Zimmermann，生於1956）個展「繪畫規則」（Painting Rules），此為辛默曼於菲律賓的首次個展，展覽將於2026年2月4日於馬尼拉大都會美術館開幕，並於4月11日由路由藝術台北延續展出。「繪畫規則」以藝術家全新發展的貼紙裝置藝術為核心，結合環氧樹脂繪畫的新作，呈現其近年創作中一次關鍵性的轉向與實驗，引導觀眾重新思考在數位影像與人工智慧快速發展的當代語境中。
有別於過往以畫布為主要載體的展覽，「繪畫規則」將呈現辛默曼以貼紙為媒材所發展的裝置創作。藝術家透過貼紙作為可重複、可拆解、可重新組構的視覺單元，直接於空間中生成影像。此創作擴展藝術家長期關注的圖像轉譯手法，在某種意義上也回應了其早期的創作，因此在目前的油畫與環氧樹脂創作之間，搭建起一座連結過去與當下的橋樑，使藝術品從畫布中被釋放，進入空間與群體協作的層次。它們象徵著演算法如何滲透我們的日常生活，並持續影響我們的行為模式。
「彼得・辛默曼：繪畫規則」
｜地點：馬尼拉大都會美術館，菲律賓
｜展期：2026年2月4日至2026年4月30日
〈狗〉，1998-2001，黃色不銹鋼，版次： 6 + 藝術家自藏版，71.12 x 41.91 x 81.28 cm
路由藝術很榮幸宣布，羅娜・龐迪克的作品〈狗〉目前正在索南本德收藏基金會展出。
該基金會於 2025 年 11 月 29 ⽇在義大利曼圖亞的拉吉奧內宮（Palazzo della Ragione）正式開幕。索南本德收藏基金會多年來持續於義大利、葡萄牙、加拿大與美國等地的多家美術館巡迴展出，現已落腳曼圖亞，成為其常設所在地。此一收藏由具前瞻視野的畫廊經營者伊萊娜・索南本德（Ileana Sonnabend）、 麥可・索南本德（Michael Sonnabend），以及安東尼奧・安東尼奧・霍門（Antonio Homem）共同形塑，連結美國與歐洲藝術，呈現二十世紀最重要的藝術作品之一。坐落於曼圖亞市中心的索南本德收藏，彰顯藝術跨越疆界的力量，並為我們所處的時代帶來深刻的啟示。
羅娜・龐迪克的作品〈狗〉亦將於三月初起在美國康乃狄克州沃特伯里（Waterbury）馬塔塔克美術館（Mattatuck Museum）展出的群展 《Ascendancy: The Self in Contemporary Art》 中亮相，作品由索南本德收藏基金會與路由藝術提供。展覽由 Camilo Alvarez 策劃，並附有全彩圖錄出版。
〈座位〉，1990，木材、蠟、 環氧樹脂塑形劑、鞋子、蕾絲， 獨版，43.8 x 41.9 x 40.6 cm
羅娜・龐迪克的作品〈座位〉已被芝加哥藝 術學院納入館藏。
這是該藝術家第二件進入該館收藏的雕塑作品。〈座位〉創作於 1990 年代初期，屬於藝術家在此時期創作的系列作品之一。該系列以椅子的形式為基礎，將鞋子融入椅腳結構，同時透過其豐滿、擬人化的造型，喚起對人類身體的聯想。
〈緋紅皇后〉，2003，不銹鋼、古銅色青銅和河床岩石，獨版，147.32 x 358.14 x 227.33 cm
羅娜・龐迪克的作品〈緋紅皇后〉已被納爾遜—阿特金斯藝術博物館納入永久典藏。
這是藝術家第三件進入該館收藏的雕塑作品。〈緋紅皇后〉是一件以不鏽鋼製作的楓葉植物雕塑，其枝梢末端呈現細小的人類頭部，鮮明展現了藝術家在其創作生涯中，持續探索人類形體與自然形態交會與融合的主題。
盧冠宏，〈現代啟示錄：從搖籃到墳墓〉， 2024，油畫於畫布，47 1/4 x 63 3/4 in | 120 x 162 cm
盧冠宏的〈現代啟示錄：從搖籃到墳墓〉由邁阿密佩雷斯藝術博物館典藏。
在作品中，盧冠宏觸及了荒誕主義、揮之不去的暴力以及媒體的隱形力量等主題，呈現出一個發人深省的豐富場景，探討畫中人物之間的關係以及人物與周圍環境的對比。盧冠宏對細節的掌握成就了一幅極具感染力的畫面，引領觀者反思自身對不同文化視角的理解。他對於色彩和質感的運用擁有敏銳的掌握度，使這幅作品不但扣緊文化、具敘事性，視覺上也引人入勝而層次豐富。
通過戲謔的錯位手法，盧冠宏的作品對媒體敘事的準確性提出疑問。他審視影像被創造與接收的過程，揭示意義如何被扭曲、誤解甚至遺失，同時也在過程中生成了意想不到的趣味與啟發。他將現實的豐富與平凡交織，邀請觀者以不同視角審視日常生活的本質，引導觀者從不同角度重新觀看日常生活的本質。其創作捕捉了身處矛盾時代的荒謬與張力——脆弱卻又堅韌、彼此連結卻又疏離。
盧冠宏的作品〈現代啟示錄：從搖籃到墳墓〉曾於 2025 年在路由藝術紐約｜計畫空間舉辦的個展「望向窗外」中展出。路由藝術亦期待於 2026 年 8 月，在全新整修完成的台北畫廊呈現盧冠宏的個展。
傅寧，〈超級孤單〉， 2023，壓克力顏料於畫布， 51 1/8 x 51 1/8 inches | 129.9 x 129.9 cm
傅寧的〈超級孤單〉已由北達科他藝術博物館典藏。
傅寧（1995 年生）的創作以影像作為形式與材料，透過既有圖像進行繪畫創作。這些影像多數並非出自藝術家本人，而是取自網路上可輕易取得的影像與文件。此一創作方式反映出高度當代的經驗，也映照出私人生活在網路公共空間中被流通的表象與其所營造的便利幻象。傅寧關注社交媒體的普及如何形塑影像的生產與流通，並建構出一種新的現實感受；在這樣的情境中，個人的身體經驗與周遭環境已不再是形塑身分認同的主要因素。
傅寧於 2024 年參與路由藝術紐約群展「即刻無需等待：台灣六人藝術家聯展」。
席安・弗拉喬內，〈伊奧尼亞海（午後光線）〉，2020-2022，油性顏料、顏料、拼貼（早期作品）、串珠紡織、紙上石墨，53 x 61.3 in | 134.62 x 155.7 cm（外框: 58 x 66.1 x 3 in | 147.32 x 167.89 x 7.62 cm）
席安‧弗拉喬內的作品〈伊奧尼亞海（午後光線）〉由達拉斯藝術博物館收藏。
席安‧弗拉喬內（1952年生）是一位跨領域藝術家。她的藝術風格深受舊金山灣區的「垮掉派」與「放克藝術」運動影響，並在過去四十年間發展出獨特的創作語彙，遊走於抽象繪畫與雕塑之間，模糊物件與圖像的界線。她的作品融合油畫、綜合媒材、拾得物與紡織元素，構築出極具個人特色的視覺語言。無論是二維或三維作品，她都以長時間堆疊創作，使作品成為影響與個人觀點的多重交織，並展現對藝術歷史與身體性的探索。其繪畫作品展現強烈的空間感與動勢，而其組合藝術則更為厚重且富有觸感。近年來，她的創作回應義大利詩人埃烏傑尼奧‧蒙塔萊的詩集《地中海》（Mediterraneo）與《烏賊骨》（Ossi di Seppia）。
2025年，路由藝術紐約展出「餘跡」為藝術家首次個展。
羅娜・龐迪克，〈草原犬鼠〉（Prairie Dog）， 2011-13，不鏽鋼， 版次 3 + 1 AP, 4 1/4 x 7 3/4 x 4 3/4 in ｜10.8 x 19.68 x 12.06 cm
龐迪克於80年代後期便備受矚目，當時藝術家重新配置人類身體及象徵性物件，如鞋子、奶瓶和牙齒，挑戰觀者內心錯綜復雜的情緒反饋。90年代末期，她更首次將自己身體的一部份與動物和樹木結合，創作混合物種的雕塑。〈草原犬鼠〉為龐迪克延續其將人體視為變形與混種場域的探索。這件雕塑融合了人類與動物的身體部位，形成一種難以被輕易歸類的曖昧形態。作品以不鏽鋼鑄造，其具反射性的表面邀請觀者反思身體與環境、自我與他者之間流動而不穩定的界線。
路由藝術台北於2021年展出的「羅娜‧龐迪克：雕塑」為藝術家於亞洲的首次個展。
壓克力顏料於畫布
52 x 32 in｜132 x 81 cm
燒陶
20.5 x 14 x 5.5 in｜52.1 x 35.6 x 14 cm
威斯康辛大學麥迪遜分校 查森藝術博物館（Chazen Museum of Art at the University of Wisconsin–Madison）是美國中部首屈一指的美術館，經過重重的審核，策展團隊和董事會同意，今年度典藏闕巧涵的〈母狼乳嬰〉與郭旭達的〈無題 24-02〉。首席策展人凱薩琳．阿爾考斯卡斯（Katherine Alcauskas）表示：「查森藝術博物館很高興將郭旭達與闕巧涵的作品納入館藏，進一步豐富本館涵蓋亞洲繪畫、雕塑與裝飾藝術的多元典藏。這些引人注目的作品，將與其他當代藝術傑作並列展出，深化館內對於傳統與創新之間關係的對話。」
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台灣藝術家闕巧涵，1989年生於台北，現工作居住於德國漢堡。2011年畢業於國立台北藝術大學美術系，2019年赴德國就讀漢堡藝術學院繪畫班碩士。她的作品反思自身成長於台灣、並以亞洲女性身分生活於西方社會的經驗，透過描繪主要為裸體女性形象，在奇幻空間中展現不受拘束的行為，挑戰女性身體與性慾所受到的主流性別規範與限制。在創作媒材上，闕巧涵的油畫語言同時受到西方學院體系的影響，以及她於台灣求學期間所學習的中國書法與水墨傳統所形塑。因此，她的作品呈現出一種融合個人生命經驗與多元藝術傳統美學的交會狀態。
2023年舉辦闕巧涵於美國的第一場個展「親密遊戲」（Intimate Play）。
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郭旭達在過去這三十年，一直以陶土和木材作為雕塑的主要媒材，奠定了藝術家獨樹一幟的風格。大自然是這些雕塑的來源，再加上藝術家精心的提煉，將仿生的形態化繁為簡，凝聚出核心的本質元素。在簡約之中，卻能保留豐富細膩的觸感和肌理。他堅持用雙手創作，這費時費力的製作過程不僅讓雕塑帶有手感痕跡，更彰顯了藝術家手法的精準和真誠。
藝術家的靈感來自於人們共同的感官體驗，即使來自不同的背景，人卻能對材質與造型產生極為相似的感官反饋。他對於人類在用意識理解之前，由生理本能產生的深層情緒反應極具興趣。對他而言，所選擇的材料——陶瓷和木材，具有數千年的歷史，被多個文化民族廣泛使用，使得這些材料不僅具有深厚的文化底蘊，更象徵著跨越世代的橋樑。他獨到的觀察力和對材質的特殊處理手法，讓雕塑充滿個人色彩，時而讓觀者難以定義與辨識，時而又讓人感受到一種似曾相識的情感。這些作品在視覺上深深吸引著我們，喚起我們潛意識中被遺忘的，甚至是前所未有的形態表現。
2024年由路由藝術 紐約展出「郭旭達：嚴選作品 1993至2023」，此一回顧式展覽橫跨藝術家三十年的創作歷程。
路由藝術誠摯地祝賀藝術家索迪絲·阿德丹斯多堤（Thordis Adalsteinsdottir）擔任冰島阿克雷里美術館（Akureyri Art Museum）展覽「創意回應」（Creative Responses）的共同策展人，展覽於2025年11月27日開幕，展至2026年2月8日。
「創意回應」以文章集《創意回應：北歐藝術與文學中的環境危機》（Creative Responses to Environmental Crises in Nordic Art and Literature ）為靈感，探討當今面臨環境變遷的境遇裡，藝術文化所擔綱著什麼樣的角色、肩負著什麼樣的責任以及乘載著什麼樣的意義。
展覽由冰島大學Thingeyjarsveit研究中心、Specta畫廊及阿克雷里美術館共同策劃，索迪絲．阿德丹斯多堤與Audur Adalsteinsdottir擔任策展人。展覽不僅呈現文集中討論的藝術家作品，也邀請其他與該文集核心主題相關的藝術家參展，藉此深入揭示藝術對生態危機的回應及衍生的人類文化情感議題。
「創意回應」（Creative Responses） ｜展期：2025 年 11 月 27 日 – 2026 年 2 月 8 日 ｜地點：阿克雷里美術館 ｜開放時間：每日12:00 – 17:00
